Elle est décédée samedi dernier, à La Jolla, un quartier balnéaire de San Diego en Californie. Mais Miriam Schapiro a fait ce qu’il fallait : ouvrir une brèche féministe dans l’histoire (virile) de l’art.
Née en 1923 à Toronto, elle file à New-York et rejoint, dès le début des années 50, la clique new-yorkaise des peintres expressionnistes abstraits, qui portent haut l’étendard d’un actionisme viril maculé de coups de brosses hargneuses et de dégoulinures expansionnistes. Bien qu’elle rencontre un certain succès à l’époque, ce qu’on retiendra d’elle tient surtout dans le pas de côté qu’elle sut faire en mettant dans la place sa propre iconographie : dès 1963, elle entame une série de toiles très relâchées et composites, intitulée Shrine, où le motif de l’œuf, la silhouette d’une femme ou bien encore celle de l’artiste au travail devant son chevalet sont mises en scène.
Dans l’histoire de la peinture, très franchement, c’est déroutant à tel point que pour l’heure l’histoire de l’art commence à peine à faire une place à de telles images. Ni pop, ni postmoderne (c’est trop tôt), ni moderniste (c’est trop tard), ces tableaux vaquent hors-champs et hors-cadres. Miriam Schapiro en a indubitablement l’intuition avant tout le monde. Elle invente en un coup de pinceau. Quoi ? Sa propre cosmogonie, sa propre iconographie, sa propre lecture de l’histoire et bientôt son propre programme de recherche : une classe d’études féministes à CalArts, l’université des arts plastiques, très théoricienne, de Los Angeles. Au seuil des années 70, le déménagement de Schapiro, de la East Coast vers la West Coast, avec son mari Paul Brach, artiste lui aussi, est un tournant pour elle et, aujourd’hui, pour bien des artistes femmes. Des artistes tout court devrait-on dire. Sauf que dans le domaine de la création visuelle, comme ailleurs, la lutte pour l’égalité des sexes prend du temps.